Siempre lo he dicho: las dilatadas escenas de Roberto Bolaño, estiradas como chicle con rodeos pletóricos de acciones alternas que se van añadiendo marginalmente a la acción principal, conversaciones de meticulosa intrascendencia cotidiana y otros recursos que van desde la enumeración de fobias hasta la narración vana de los sueños, son un filón invaluable para el cine.

Afortunadamente hablamos de un filón tan desmesurado que poco tiempo fue necesario para que alguien lo advirtiera. Primero fue Rigola con su 2666 teatral, ahora es el mexicano Carlos Sama quien, tras comprarle los derechos a la agencia de Carmen Balcells en 2004, se ha embarcado en la empresa de hacer la versión cinematográfica de Los detectives salvajes, que empezará a rodarse a finales de este año pero que por ahora está aún en etapa de preproducción, aunque desde ya el director se ha sabido rodear con asesores de postín:

Nos juntamos con Juan Villoro, no sólo por la amistad con Bolaño, sino con Mario Santiago, que es un gran personaje, que en la realidad era más contestatario y brutal que el Ulises Lima de la novela. A los “Infras” se les conocía mucho por sus happenings, de los cuales en la novela se intuyen, pero no explicitan, y yo sí he puesto un par de ellos en la película, porque me parece que cinematográficamente estas acciones ayudan a entender más quiénes son estos personajes y el movimiento mismo. También he hablado con Carla Rippey, que es la pintora Catalina O’Hara en la novela, que era una de las mejores amigas de Bolaño desde los ‘70; además de José Peguero, Guadalupe Ochoa y el inspirador de Piel Divina.

El guión es de Luis Felipe Fabre, Arcadi Palerm y el mismo Sama, quien deja entrever que Gael García Bernal podría interpretar a Arturo Belano. A Enrique Vila-Matas no le ha gustado mucho la idea:

Creo que es un engorro que pasen las obras de Bolaño al cine. Los detectives salvajes es pura literatura. Debería quedarse tal como está, como literatura. Al menos durante un tiempo. Como mínimo hasta que hubiera pasado de largo esa moda de confundir a Bolaño con James Dean.

Sama ha sabido vadear la oposición de Vila-Matas con humor y buena disposición a sabiendas de que la novela, así como toda la obra de Bolaño, entra en el rango de esas grandes obras, imperfectas, torrenciales, las que abren camino en lo desconocido.

Un detalle: la película al parecer obviará la monumental digresión que ocupa la mayor parte de la novela. Así lo explica Sama:

La novela está afincada en el norte de México, que es un lugar muy particular. Ahora la belleza del desierto de Atacama es una locura, pero como aparecen muchos pueblos mexicanos, debemos filmar acá y en el DF. En mi edición de la película que se puede desprender de la novela, no pretendo llevar todos los lugares del libro, que serían entre otros, Francia, Israel, España, África. ¡Sería una locura de cinco películas de dos horas! Por eso tomé de la novela, la primera y la última parte, respetando su estructura.

Así que no veremos, por ejemplo, el intento de secuestro de Octavio Paz, el duelo entre Belano y Echavarne, la historia del abogado Xosé Lendoiro ni la aventura africana de Belano. Pero por otro lado esto significa que la puerta queda abierta para imaginar más películas exprimidas del tuétano de Los detectives. ¿Qué películas harían ustedes?

Se viene otra versión de Doña Bárbara con acento, diez años después de la que hiciera Betty Kaplan con Jorge Perugorría y Esther Goris y sesenticinco después de la de Fernando de Fuentes y Miguel M. Delgado con la gran María Félix y Julián Soler. Esta vez será en forma de telenovela y “la trágica guaricha” será interpretada por la catira de la foto, Edith González, sobre cuyas dotes histriónicas tengo mis reservas, aunque quién sabe. Digo quién sabe porque la producción es colombiana, y el hermano país ostenta una industria telenovelera de marca mayor, así que quién sabe, de pronto se le pega algo bueno a Edith.

La razón por la que se escogió a esta actriz mexicana es, creo, que la telenovela será realizada en coproducción entre RTI, Telemundo y Sony. Todas las comparaciones son odiosas y me temo que no habrá manera de evitar que, cuando salga esta nueva versión audiovisual de la gran novela de Gallegos, la actuación de Edith sea comparada con la de la Félix o la de nuestra excelente Marina Baura en la versión televisiva venezolana de 1975.

Aunque nunca hubiéramos visto un capítulo de Dexter y no supiéramos por dónde va la cosa, los créditos iniciales ya nos pondrían los pelos de punta. Matar un zancudo, exprimir una fruta, afeitarse y amarrarse los zapatos son tareas cotidianas que, vistas con el suficiente zoom y la suficiente mala intención, pueden resultar bastante tenebrosas. Art of the Title se ocupa justamente de eso: de mostrarnos excepcionales secuencias de créditos en películas y series de televisión.

The Silent Era es un sitio dedicado al cine mudo que ha elaborado una lista de las 100 mejores películas mudas, con votos de sus visitantes que son procesados a la antigua: se envían por correo electrónico y los editores van sacando sus cuentas. De esa lista he puesto aquí las 10 primeras, con enlaces para verlas completas o descargarlas por vía directa o por torrent, y breves citas sobre cada una que remiten a las correspondientes reseñas.

1. The General, de Buster Keaton y Clyde Bruckman (EUA, 1926). “Siguiendo con lo que en él era habitual, Buster Keaton, realiza un film lleno de humor y situaciones embarazosas, entre cabriolas y equilibrios. Con una buena fotografía y una planificación minuciosa, consigue crear una cinta llena de comicidad, emoción y poesía” (Wikipedia).
2. Metropolis, de Fritz Lang (Alemania, 1927). “Se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang, cuya trama se desarrolla en una distopía urbana futurista. Este filme fue lanzado originalmente en el año de 1927, antes de la cinematografía sonorizada. Se lo considera uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán en las artes cinematográficas” (Wikipedia).
3. Sunrise, de F.W. Murnau (EUA, 1927). “En 1929, en la primera edición de los premios de la Academia (aún no se llamaban Oscar), Sunrise ganó el galardón denominado ‘Best Picture, Unique and Artistic Production’. (…) Este impresionante poema visual, como era previsible, no tuvo el éxito de taquilla que se esperaba. A partir de entonces, la Fox limitó el control de Murnau sobre sus dos siguientes producciones. El director falleció en 1931, a los 42 años, en un accidente automovilístico” (Chiflados por el Cine).
4. City Lights, de Charles Chaplin (EUA, 1931). “De todas sus películas (con la posible excepción de Tiempos modernos), Luces de la ciudad ofrece la caracterización más completa del vagabundo. Sin familia, sin amigos o un lugar donde vivir, está parado fuera de nuestra realidad, a veces intentando entrar y a veces sin importarle la marginalidad. Como un niño, con un puro e inocente corazón y con los mejores motivos, se ofrece a la vida y a sus consecuencias” (Gabriela Sculco, Cuando el Arte Ataque).
5. Nosferatu, de F.W. Murnau (Alemania, 1922). “El vampiro que muestra Murnau, en consonancia con el expresionismo, se aleja del vampiro de Stoker en sus rasgos físicos. El vampiro de Nosferatu es un ser horroroso, de craneo deforme, colmillos exageradamente deformes, ojos saltones y mirada amenazadora, zarpas afiladas, e incluso se podría decir que es pestilente” (Alejandro Gamero, La Piedra de Sísifo).
6. The Gold Rush, de Charles Chaplin (EUA, 1925). “La película integra de manera inteligente la comedia al drama en una crítica mordaz a la búsqueda de la fortuna y éxito fáciles. En ella, Chaplin se revela como un director innovador, capaz de prescindir totalmente de algunos recursos típicos del cine mudo (como los fundidos o fades entre escenas) en favor de una narrativa puramente visual” (Maximiliano Maza, Cinema 16).
7. La Passion et la Mort de Jeanne d’Arc, de Carl Theodor Dreyer (Francia, 1928). “La interpretación de Renée Marie Falconetti en el rol principal posee una fuerza capaz de traspasar la pantalla y penetrar en el alma de los espectadores. Su rostro doloroso, ausente de maquillaje, es una de las imágenes más impactantes y bellas de la cinematografía mundial” (Maximiliano Maza, Cinema 16).
8. Das Cabinet des Dr. Caligari, de Robert Wiene (Alemania, 1920). “La cinta es considerada como el primer filme expresionista de la historia, y destacan los decorados distorsionados que crean una atmósfera amenazante. (…) El expresionismo en esta película se funda en la interpretación subjetiva del mundo de los personajes, que se encuentran bajo el mundo real. Se enfrentan en los personajes dos conceptos diferentes: la imaginación y lo onírico frente al realismo” (Wikipedia).
9. Bronenosets ‘Potyomkin’, de Sergei M. Eisenstein (Unión Soviética, 1925). “Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un cochecito de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre” (Wikipedia).
10. Greed, de Erich von Stroheim (EUA, 1924). “En Avaricia se nos muestran los más bajos instintos que podemos experimentar las personas, y cómo, llevados a extremos infinitos, degradan y llevan a la perdición total a quienes hacen de ellos su razón de vivir” (Swanson, Tierra de Cinéfagos).

Es inevitable que, al traducirse un libro a otro lenguaje, el público compare la obra derivada con la original, y generalmente aquella sale perdiendo. La forma como una idea llega por primera vez hasta sus destinatarios suele ser determinante para que se afirme en ellos un concepto inamovible de lo que esa idea debe ser.

El párrafo anterior es algo que, palabras más, palabras menos, leeremos mucho por estos días. El estreno de El amor en los tiempos del cólera tiene alborotados a los lectores del Gabo y algunos han salido decepcionados, como Óscar Collazos, quien ha dicho nada menos:

La película no es mala; es, sencillamente, una versión intrascendental y plana de la más trascendental novela de García Márquez. Es intrascendental, incluso si el espectador se olvida de la novela y ve el filme como la historia de un amor contrariado que revive al final, en clave de ópera, 51 años después del primer estallido de pasión.

Cinéfilo al fin, esperaré a verla y seguramente entraré con entusiasmo al cine aunque me lleve mi tortazo. Incluso recordaré (y no me importará) que detesté las pocas adaptaciones que he visto de obras del Gabo: El coronel no tiene quien le escriba, La viuda de Montiel y la versión teatral que Rajatabla hizo, también, de El coronel, que hace todos los años del mundo vi y lamenté ver, creo que en el Teresa Carreño.

Me intriga, ahora, esta edición especial de Cien años de soledad que acaba de publicar en Cuba el sello Arte y Literatura, y en la que el artista Roberto Fabelo interpreta la historia de Macondo y le da imagen a sus personajes. Pocas ilustraciones del libro, aparte de la portada que acompaña este párrafo y alguna otra, se han colado hacia Internet, así que no nos queda de otra que esperar que alguien nos lleve a conocer el hielo.

El libro, que se vende por veinte pesos cubanos, contiene catorce pinturas de Fabelo, artista que ganó el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cuba en 2004. Con las obras se armó una exposición que acompañó a la presentación del libro a finales de diciembre.

Les dejo como colofón un cuento que viene a cuento por el asunto aquel de las adaptaciones cinematográficas. Lo echa Gonzalo Fragui en su reciente y delicioso Poeterías:

Cuenta Bryce Echenique que un día hacía una fiesta en su casa de París. Uno de los invitados habituales era el escritor Juan Rulfo. Por su timidez, Rulfo siempre quería pasar inadvertido, pero no podía. Para colmo de males una funcionaria trepadora se le pegó esa noche como un chicle. Rulfo no sabía qué hacer para quitársela de encima. Consultó entonces a Bryce.

—A la próxima pregunta respóndale con una pesadez —fue la recomendación de Bryce.

Así hizo.

La señora se le acercó de nuevo y con cara de culta preguntó al maestro mexicano que si ya se había leído El capital, de Carlos Marx. Y ahí fue que llegó la oportunidad esperada por Rulfo.

—No, pero vi la película —fue la respuesta del escritor.

La señora no se le volvió a acercar durante toda la noche.

Mario Benedetti mejora, según dice el médico Jorge Malo, aunque su condición todavía es de cuidado. Internado ayer por una deshidratación y tratado con líquidos y suero, el escritor ha pasado leyendo, claro, estas horas de ocio obligado. No faltará quien desee contrariarlo y pedirle justamente que se salve.

Por lo pronto, vale la pena verle en esta vieja entrevista en la que habla de El lado oscuro del corazón, el mítico filme de Subiela que entre otros méritos tiene el de mostrar al autor de La tregua recitando en alemán. La gente, dice don Mario, tiene en estos tiempos vergüenza de sentir. Y si quieren algo más, pues véanlo en esta otra entrevista.

Sé que mucha gente estará de acuerdo conmigo si afirmo que las conversaciones más fumadas, más elevadas y que más nos hacen creernos unos genios, se tienen en la adolescencia. De esa época rescato siempre la tesis de un amigo —hoy anónimo a causa de los baches en mi memoria— de que la mejor ciencia ficción es la que le da prioridad al aspecto artístico por encima del técnico.

Entonces mis conocimientos del género se limitaban a Star Trek y Star Wars, de manera que vine a entender la cháchara de mi amigo cuando, unos años después, pude ver clásicos como 2001: A Space Odyssey y Blade Runner, y otros que introducían matices en la ciencia ficción, como Brazil. Sin embargo debo confesar que 2001 es para mí una obra de arte abstracto, con ese final psicodélico quizás muy propio de Kubrick y del año mítico en que apareció la película, 1968, y Brazil está en mi opinión fuera de lote, mientras que Blade Runner me dio una perspectiva plena de la ciencia ficción como arte.

Blade Runner cumplió 25 años en junio pasado y la gente de R.E.Lectura ha organizado, para mañana a las 7 de la noche, el cine-foro “Blade Runner: los replicantes cumplen 25 años”. Salvador Fleján fungirá de moderador y como ponentes estarán Gonzalo Jiménez y Ewald Scharfenberg. La cosa es en el Centro Cultural Chacao, en la avenida Tamanaco. Para no perdérselo (aunque yo tendré que perdérmelo, qué más me queda). El título del cine-foro ya es seductor, pues juega con aquello de la edad de los replicantes.

Al margen: es sabido que 2001 es una de las películas más referenciadas de la historia. Puede hallarse cientos de referencias, desde Brian de Palma hasta Los Simpson y cientos más. Una de las más recientes está en el segundo capítulo de la cuarta temporada de House, M.D. Les dejo el video.

En los locos años 20, tres jóvenes artistas convergen en Madrid y fijan las bases tempranas del arte que conmoverá a Europa y al mundo en las décadas siguientes. Los unirá y los enfrentará, al mismo tiempo, una profunda amistad y… en el momento menos pensado hará acto de presencia el amor.

Parece el anuncio de una película, ¿cierto? Bueno, es que lo es: Little Ashes (que en cristiano es algo así como Pequeñas cenizas) reproduce la Madrid de principios del siglo XX, cuando Luis Buñuel, Federico García Lorca y Salvador Dalí se conocen en la Residencia de Estudiantes.

Buñuel fue el primero en llegar y rápidamente se hace notar. Lo cuenta Francisco Arias Solís en esta nota:

Muy pronto Buñuel se convierte en uno de los estudiantes más famosos de la Residencia. Federico García Lorca, que llegará a la Residencia un año después que él, le solía repetir: “Tú eres muy bruto”. “Y era verdad”, nos decía Buñuel. “Y, sin embargo”, añadía Buñuel, “a Federico se lo debo todo. Es decir, sin él yo no habría sabido lo que era la poesía”. Dalí llega a la Residencia tres años después de haber entrado Buñuel, pero pronto se convierten en grandes amigos.

Lorca y Dalí, el amor que no pudo ser, es el título de un libro en el que Ian Gibson habla del tema:

Se conocen en la residencia de estudiantes en 1923 y tras su encuentro en Cadaqués en 1925, Lorca sale de Cataluña enamorado de Dalí. Pero Dalí no asume su tendencia homosexual y por eso su amor no pudo ser. (…) Cuando Dalí se da cuenta de que Lorca se ha enamorado de él, se produce un distanciamiento. Si Dalí hubiera aceptado su homosexualidad, su obra hubiera sido diferente. Le conocí en sus últimos años y me dijo que Lorca, para él, había sido su gran amigo.

Es dirigida por Paul Morrison, un director británico de 63 años y 8 películas, con algunos premios importantes en su haber por sus dos más recientes, Solomon and Gaenor y Wondrous Oblivion, protagonizada esta última por el actor de engañoso apellido Delroy Lindo.

La película —que está aún en proceso de filmación— explota, pues, tan cinematográfico affaire. Demasiado tiempo había pasado sin que se le ocurriera a alguien. La verdad es que hace años se le había ocurrido a Philippa Goslett, guionista y coproductora, quien ya en 2001 contaba en esta entrevista (en inglés) que había conseguido financiamiento tras ganar un concurso de guiones. Little Ashes iba a ser dirigida originalmente por Marleen Gorris, pero a seis años de distancia es obvio que las cosas cambiaron. Lo que no cambió fue la idea original, que Goslett describía entonces:

Está ambientada en la España de los años 20 y es esencialmente sobre la relación sentimental entre un muy joven Dalí y el gran poeta español García Lorca. Dalí tenía entonces sólo 18 años, y no era en modo alguno el hombre en que se convertiría en su vida posterior: nada del bigote y la extravagancia, aunque hay algo de eso hacia el final de la película. Se presenta como un estudiante totalmente paralizado por los nervios, cuya timidez le impedía hablar en público y que deseaba con desesperación ser parte del grupo erudito en que estaban envueltos Buñuel y Lorca.

De vuelta al presente, Goslett defiende su película, que sabe polémica, advirtiendo que el guión está basado en sus investigaciones sobre el episodio. Así lo declara a The Observer:

Todo empezó como una amistad, que se volvió más íntima y avanzó hacia un nivel físico, aunque a Dalí se le hizo difícil y no pudo soportarlo. Él dijo que Lorca intentó tener sexo con él pero dolía, por lo que no llegaron a consumar la relación. Considerando las enormes inhibiciones de Dalí, no es sorprendente.

Sabe Dios qué saldrá de este invento. El presupuesto es ínfimo, de sólo 1,4 millones de libras; los actores son jóvenes en ascenso y, al menos, tienen un aceptable parecido con los personajes que interpretan, aunque —como sabe cualquier cinéfilo— esto es secundario. A ver:

Matthew McNulty interpreta a Luis Buñuel. En sus británicos lares es famoso por su papel como el soldado Shane Gulliver en La marca de Caín, una película para la televisión sobre la guerra de Irak.

Robert Pattinson interpreta a Salvador Dalí. Es el Cedric Diggory de la saga de Harry Potter y, parece cosa de casualidad, también trabajó en una película para la televisión llamada El anillo de los nibelungos, que supongo está inspirada en la obra de Wagner.

Del tercero, Javier Beltrán, no tengo fotos ni idea de quién es, así que por ahora sólo sé que se parece a García Lorca en que ambos son españoles.

Los puristas de la vida privada pueden ir guindando sus gritos de la nube que más les guste, pues por lo que se ha dejado traslucir la película no se enfocará en la importancia radical que tuvieron Buñuel, Lorca y Dalí para el arte contemporáneo. El componente de escándalo que tiene toda historia homosexual donde estén implicados famosos de cualquier índole ya ha sido advertido por medios de todo el mundo, y es de suponer que la cosa irá en aumento hasta el estreno de la película, en 2009.

Soy enemigo de las generalizaciones, pero todos los políticos son iguales. Por estos días Woody Allen está rodando Midnight in Barcelona, lamentablemente no la Barcelona de aquí sino la de España, y los políticos andan vueltos locos buscando la manera de tomarse una foto con él. O al menos es lo que ha dicho Ángels Esteller, concejal del PP, según cuenta esta nota:

Con la película “se está dando un espectáculo sin precedentes, más propio de una ciudad provinciana que una cosmopolita, que tendría que estar acostumbrada a que cineastas y gente con talento” acudan a la ciudad.

De inmediato le saltaron encima el teniente de alcalde, Carles Martí, y el delegado de Cultura, Jordi Martí —sí, tienen el mismo apellido. Woody, mientras, estaba esta mañana grabando unas escenas en La Rambla de Barcelona.

OK, pero, ¿por qué he encabezado esta nota con una foto de Scarlett Johansson? Pues porque, aparte de que es una de las protagonistas del filme, sé que muchos por aquí preferirán ver a Scarlett que a Woody. Una ñapa, aquí abajo: Scarlett nuevamente, en Lost in translation, acostadita como la niña buena —en más de un sentido— que es.

Ha pasado casi un año desde que escribí sobre la obra de teatro que Àlex Rigola y Pablo Ley estaban escribiendo para llevar a las tablas la macronovela 2666, de Roberto Bolaño. Pues bien, la cosa es la semana que viene: entre el miércoles y el sábado, unos muy envidiados espectadores asistirán a las primeras cuatro funciones de esta obra de cinco horas, dividida a su vez en cinco obras que, según cuentan Rigola y Ley, intentan captar la esencia del texto original.

Julio Manrique, Andreu Benito, Joan Carreras, Chantal Aimée, Alicia Pérez, Cristina Brondo, Manuel Carlos Lillo, Ferran Carvajal, Félix Pons, Alba Pujol y Víctor Pi son los once actores que interpretarán a los cuarenta personajes de la obra, que mostrará además fotografías de Ciudad Juárez —como la que encabeza esta nota— tomadas por Rigola. La entrada cuesta 22 euros.

Las Palmas, Granada y Madrid son algunos de los escenarios en los que ya se ha confirmado la representación de la obra de aquí a noviembre, cuando regresará a Barcelona. Se habla ya de la posibilidad de presentarla en Suramérica, aunque por ahora es sólo eso, una posibilidad. Despiértenme cuando anuncien la presentación en Venezuela.

Cuando Iwao Takamoto diseñó a Scooby Doo no era un recién llegado al medio, ni al diseño de perros animados. Venía de unos fructíferos catorce años en la Disney, donde ya había tenido ocasión de trabajar con los equipos de 101 dálmatas y La dama y el vagabundo, y ya en Hanna Barbera diseñó el perro de Los Supersónicos, entre otros. Además Takamoto diseñó uno de los primeros amores de mi vida, Penélope Glamour.

Era la época dura, en que cada quien hacía tantas cosas como podía. Si bien Takamoto es recordado por el diseño de varios personajes para Disney y Hanna Barbera que hoy son famosos, en muchas ocasiones diseñó otros personajes en los que no estaba directamente involucrado. Y también diseñó muchas cosas que nunca serían vistas por el público, como le contó en 1999 a Amid Amidi, para Animation Blast:

Por cada programa que poníamos en el aire había cinco o seis que nunca lo harían. Presentamos muchos diseños sobre bandas —del oeste, de rock’n roll, de gospel— que viajarían por el mundo haciendo el bien. Programas típicos como esos. Intentamos mezclar clásicos como El hombre de la máscara de hierro y Robinson Crusoe. Los primeros tiempos hubo la intención de hacer un programa con Cantinflas y otro con los hermanos Marx. Todo tipo de cosas.

La entrevista, por cierto y aunque está en inglés, es una inestimable fuente de información para los interesados en el tema. Pueden leerla completa aquí. 

Es curioso que la muerte de Takamoto se haya producido estando aún tan fresca la tinta con que se imprimió la noticia de la muerte de Joseph Barbera, y que ocurriera un día antes de la muerte de Pete Kleinow, otro reconocido animador. Y aun otro de los dibujantes de esa época mítica, Ed Benedict, murió también recientemente, en agosto. Dudo que se trate de un misterio digno de Scooby Doo y sus amigos, pero por si las moscas: cuídate, Matt.

Este es el borgiano “Episodio del enemigo” según el realizador argentino Andrés Zaied. El ya clásico relato de Borges, incluido en El oro de los tigres (1972), debe de ser la más ingeniosa fuga de la literatura. A la terrible lógica del relato original se suma la estética del corto, que recuerda a esa pequeña joya llamada Waking Life —quienes la conozcan sabrán de qué hablo; quienes no, vayan corriendo a buscar la manera de verla— y el toque tarantinesco, con personajes hablando en japonés (o en algo que se le parece mucho).

La pieza de Zaied ha quedado entre los finalistas del Festival Internacional del Cuento de Los Silos —a celebrarse del 27 de noviembre al 9 de diciembre en Los Silos, Tenerife (España)— en su sección de “cuentometrajes”, o cortometrajes basados en cuentos. El realizador mantiene además el sitio RadioMontaje, en el que ofrece otras de sus producciones, así como textos literarios, entrevistas a escritores, material sobre jazz argentino y un enlace para escuchar el programa de radio La Tribu On Line.

Actualización: En la descripción del video, Zaied aclara el asunto del idioma. El audio en japonés no coincide con el subtitulado en castellano, es simulado, el mismo fue editado para que coincida con la mímica de los actores.

En South Park: Bigger Longer & Uncut, el largometraje de la conocida serie de televisión, Saddam Hussein es retratado como un homosexual sadomasoquista que tiene relaciones con el diablo como parte de su plan para dominar el mundo. No es algo que sorprenda: South Park aniquila por completo todo rastro de corrección política que uno pueda concebir. Racismo, religión, política y sexo pasan por las manos de sus creadores, Matt Stone y Trey Parker, para mostrarse en la televisión en tono de agrio sarcasmo.

Stone y Parker son clarísimos exponentes de la tendencia contemporánea al humor a través del absurdo extremo y las situaciones forzadas, que ha tenido mejores o peores resultados desde que otro Matt, Groening, creó The Simpsons en 1989 y, en el cine, los hermanos Bobby y Peter Farrelly produjeron There’s Something About Mary en 1998. El más antiguo precedente es el de Jim Abrahams y David Zucker, quienes en los tempranos 80 inauguraron el género con Airplane! y Top Secret! y han tenido aliento para llegar a nuestros días como guionista (Abrahams) y productor-director (Zucker) de Scary Movie 4 y 5, esta última anunciada para 2008: para entonces se habrán cumplido 28 años del estreno de Airplane!, tiempo suficiente para hablar de un género bien plantado.

Según Stone —quien junto a Parker participó el domingo en el Edinburgh International Television Festival—, Hussein ha sido “torturado” por los soldados estadounidenses obligándolo a ver la película una y otra vez. Stone ríe: “Eso realmente le ha añadido insulto a la herida. Apuesto a que le ha hecho muy feliz”. La historia me suena poco creíble, viniendo precisamente de quien con su socio se presentó en la gala de los Oscars luciendo vestidos de Jennifer López y Cameron Díaz, pero, para quienes fueron capaces de esto, dudo que ponerle una película a Hussein sea una hazaña demasiado dura de realizar.

Justo este fin de semana conversaba con un amigo, a quien me precio de haber evangelizado en la lectura de Bolaño, y nos preguntábamos por qué sus obras no han sido llevadas al cine, con la maravilla descriptiva que las atraviesa. Con lo que teníamos a la mano -El gaucho insufrible, Monsieur Pain, Los detectives salvajes y 2666- nos pusimos a fantasear: “El gaucho insufrible” da para una pequeña épica; no llegamos a decidir si le dábamos “El policía de las ratas” a David Cronenberg o a Tim Burton; Monsieur Pain tendría que ser dirigida por un maestro para no ser un filme demasiado aburrido… Y por supuesto Los detectives salvajes y 2666 se los daríamos a Peter Jackson para que las filme, si quiere, en Nueva Zelanda.

Ayer revisaba las noticias literarias para la próxima edición de Letralia y me encuentro con que alguien más ha estado jugando con ideas parecidas. El director catalán Álex Rigola (en la foto) ha anunciado que llevará a las tablas una adaptación, que ya escribe con Pablo Ley, de 2666. Si ya el libro es un desafío para el cine, no quiero ni pensar en las peripecias que el dúo tendrá que hacer para montarlo en teatro, tarea que Rigola ha resumido en una frase medio críptica: diseccionar bien lo que quería contar el autor, hacer una columna vertebral y buscar un camino para contarlo al espectador. Esperemos que no se quede corto el cascabel para la fiera a la que hay que ponérselo.

Como complemento de la nota anterior, vean esta animación, que conseguí anoche en YouTube, en la que se mezclan Chaplin y Spielberg.